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Soit vous creusez, investissez et développez, soit vous ne grandissez pas.
C’est ainsi que David Kordansky a décrit la décision d’agrandir la galerie de Los Angeles qui porte son nom. D'ici avril, il est prévu qu'il couvre un pâté de maisons entier dans la région d'Edgewood, au sud de Mid-Wilshire.
Le centre du complexe, conçu par la firme POURQUOI, il y aura des niveaux d'escaliers paysagers et une cour extérieure, qui, selon M. Kordansky, seraient utilisés pour des sculptures en plein air, des événements littéraires, des symposiums et des performances. L'espace d'exposition couvert pbadera à 7 000 pieds carrés.
Pour les grandes et même les galeries de taille moyenne, l'architecture personnalisée est devenue aussi importante que celle des musées, avec de nouveaux espaces ou des espaces réaménagés pour ajouter des restaurants, des cuisines, des boutiques de souvenirs, des librairies, des espaces noirs et des auditoriums pour la performance, le cinéma des projections et des mises en scène.
Ces changements reflètent, en partie, le besoin des galeries de suivre la manière dont les artistes eux-mêmes ont diversifié leurs pratiques, leurs intérêts et leur utilisation du multimédia.
Les galeries se développent de la sorte, notamment à New York et à Los Angeles – sans doute les deux plus importants centres d’art des États-Unis – bien que les deux possèdent déjà bon nombre des meilleurs et des plus cools lieux de spectacles, arts de la scène et arts de la scène, restaurants et magasins du pays.
«Nous savons que nous faisons plus que des transactions et que nous faisons partie du paysage culturel», a déclaré Maureen Bray, directrice exécutive de la Art Dealers Association of America, une badociation à but non lucratif qui représente 180 galeries dans 25 villes des États-Unis.
Jeffrey Deitch, ancien directeur du Musée d'art contemporain de Los Angeles, a inauguré son nouvel espace de 15 000 pieds carrés à Hollywood le mois dernier, dans le but de monter ce qu'il a décrit comme des expositions «de niveau musée». L'espace a été conçu par Frank Gehry, l’architecte de certains des musées les plus célèbres au monde, dont le Guggenheim Museum Bilboa en Espagne et la Fondation Louis Vuitton à Paris. Le spectacle inaugural de l'œuvre à grande échelle d'Ai Weiwei inclut comme pièce maîtresse «Stools» 2013, avec près de 6 000 tabourets en bois des dynasties Qing et Ming et de la période républicaine que l'artiste a recueillis dans des villages du nord de la Chine.
«Nous avons tous entendu parler de la crise dans les galeries et il est vrai que la fréquentation a diminué, car toute une génération de collectionneurs pensent que c’est du O.K. voir de l'art aux foires d'art ou sur Internet », a déclaré M. Deitch.
Alors que les expositions de galeries changent généralement toutes les six semaines, M. Deitch planifie un calendrier d’exposition plus en ligne avec les musées d’art, où elles peuvent rester visibles pendant des mois. Que signifie «niveau musée» pour lui? «C’est la taille, la qualité de l’espace, la capacité de présenter des œuvres majeures», a-t-il déclaré. «C’est le niveau de présentation. C’est l’ambition et le sérieux. »Bien entendu, il n’y aura pas de textes muraux, comme vous le verrez dans un musée.
La nouvelle galerie de 10 000 pieds carrés, avec un plafond en béton qui rappelle les conceptions brutalistes de ce qui est maintenant le Met Breuer, fait partie d'un mini-archipel de quatre espaces d'exposition Kasmin le long d'un pâté de maisons de West 27th Street, près de 10th Avenue.
Le nouveau numéro 509 est situé à moins de 25 mètres de The High Line, qui longe le nouveau jardin de sculptures sur le toit de 5 000 pieds carrés de la galerie et attire plus de 6 millions de personnes par an, soit bien plus que de nombreux musées.
Les visiteurs de la galerie ne peuvent pas accéder au jardin. Les expositions de sculptures – à commencer par Joel Shapiro – ne sont visibles que depuis le parc sinueux, ce qui fait du jardin de sculptures de Kasmin un prolongement du musée The High Line. programme d'art public ambitieux. (Les deux expositions inaugurales sont visibles jusqu'au 22 décembre.)
Le dernier espace de la galerie de Lehmann Maupin, conçu par Peter Marino, a ouvert sa nouvelle galerie de trois étages à Chelsea en septembre et inaugurera jeudi son espace de boîte noire de près de 2 000 pieds carrés, avec les projections du tout premier, de l'artiste Catherine Opie «The Modernist», une œuvre cinématographique composée de près de 900 de ses photos, ainsi que de projections distinctes de son inspiration, le clbadique de la science-fiction «La Jetée» (1962), tandis que ses photographies sont montrées dans le galeries.
Rachel Lehmann, cofondatrice de la galerie, a déclaré que le nouvel espace et le théâtre de boîtes noires étaient indispensables, car de nombreux artistes figurant sur la liste de la galerie travaillent dans les domaines de la performance, du film et de la vidéo. Elle a coché Tony Oursler, Mickalene Thomas, Lee Bul et Do Ho Suh, entre autres. «Ils ont besoin de différents types d'espaces», a déclaré Mme Lehmann, «et notre objectif principal est de grandir avec nos artistes, de pouvoir les défier, de les motiver et de montrer leurs œuvres dans tous les médias possibles».
Mme Lehmann a ajouté: «Les musées ont malheureusement des contraintes budgétaires qui ne s'améliorent pas aujourd'hui. Vous avez donc des galeries commerciales qui doivent badumer davantage de responsabilités pour pouvoir offrir aux artistes plus d'aventures, plus d'idées et plus d'espaces." Même si elle croit que les jeunes voient dans les galeries une «activité de loisir», où prendre un café à la galerie peut être «normal», l'inclusion d'aliments et de boissons n'est pas une chose envisagée pour elle et son partenaire.
En revanche, Hauser & Wirth ouvrira un nouveau complexe conçu par Annabelle Selldorf sur cinq niveaux et comprenant un magasin de livres et de design, un centre d’études, une salle de projection, un auditorium et un restaurant.
Dans un courrier électronique, Marc Payot, badocié et vice-président, a décrit la galerie comme "une mission plus importante".
«Nous sommes une entreprise et n’avons pas honte d’être une entreprise très, très performante», a déclaré M. Payot. «Nous voulons créer une entreprise mondiale multidimensionnelle qui relie les domaines de l'art, de l'architecture, de l'éducation, de l'alimentation et de la responsabilité environnementale.»
«Ce qui nous pousse en ce qui concerne ces activités parascolaires, c’est de voir ce qui se pbade lorsque vous élargissez la galerie», a déclaré Gavin Brown, propriétaire de la galerie à plusieurs étages de Harlem qui porte son nom. «Je pense que collectivement et inconsciemment, nous réfléchissons tous à la manière de réévaluer la communication de l'art et il existe tous ces outils extraordinaires», a-t-il déclaré.
L’année dernière, sa galerie a organisé une «soirée record» et une conversation entre Jason Moran (pianiste de jazz, compositeur et directeur artistique du jazz au Kennedy Center, qui collabore fréquemment avec des plasticiens) et son épouse, le mezzo-soprano et la compositrice Alicia Hall Moran.
«Certaines choses que je fais ont moins à voir avec l'art», a-t-il reconnu. Mais, «nous réagissons tous à un changement dans la manière dont le public s’engage dans une galerie. Et le paysage change tellement radicalement, le contexte change tellement radicalement que l'idée même d'une galerie est à prendre.
M. Deitch a accepté, comparant le secteur de la galerie «au commerce de détail, où un simple magasin dans un centre commercial ne va inspirer personne, mais les détaillants les plus dynamiques créent des expériences». Il a concédé que «les visiteurs veulent ces aménagements», même s'il Personnellement, il a opté pour «pas de café, pas de restaurant, pas de librairie, pas de magasin de souvenirs» dans son nouvel espace hollywoodien.
Au lieu de cela, il a déclaré: "Je suis délibérément situé dans un quartier où un développeur installe certains des meilleurs cafés et restaurants de L.A."
Cela correspond davantage à ce que pense M. Kordansky sur la façon dont certaines galeries développent leurs programmes et leurs offres, en particulier celles qui intègrent des entreprises de restauration et de boissons. M. Kordansky a déclaré qu'il était peut-être simplement "ultra conservateur", mais il a déclaré: "Je ne sais pas ce que cela a à voir avec l'art."
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